Современные стили

Ар нуво

Ар Нуво

Ар нуво (1880-1910) – название универсального стиля в дизайне, возникшего в Европе в конце 1880-х, во времена, когда дизайнеры и архитекторы искали нечто новое, на чем можно было основывать свою работу. Ар нуво отвергал исторические стили и по этой причине считался первым модернистическим международным стилем. Растительные мотивы, синусоиды, негеометрические изгибы считаются основными формами ар нуво.
Не смотря на разницу между региональными вариантами этого стиля, у него были общие признаки. Это использование новых форм, охват массового производства и сосредоточенность на природе как основном источнике вдохновения.
В Испании, США, во Франции, в Англии в стиле ар нуво преобладал криволинейный дизайн с использованием изогнутых линий, в Шотландии и Германии – преимущественно прямолинейный.
В Великобритании основным популяризатором ар нуво стал лондонский «Либерти», во Франции стиль разделился на две школы: школу Нанси, основанную Эмилем Галле в 1901 г., и Парижскую школу, возникшую в результате сотрудничества Гектора Гимара с Виктором Хортой. Познания Галле в ботанике и его интерес к миру природы отражались в использовании им мотивов экзотических растений и насекомых – ими он украшал обивочные ткани для мебели. Его узоры из переплетающихся листьев – классический образец дизайна школы Нанси того времени.
В Бельгии ар нуво отразился преимущественно на архитектуре – построенный Хортой отель «Тассель» стал одним из первых архитектурных образцов этого стиля. Бельгийский архитектор прославился своей работой по металлу и колонными в форме древесных стволов – они получили название «Линии Хорты». Француз Гимар, наиболее известными работами которого являются несколько станций парижского метро, стал основоположником стиля Гимара. В Париже художники ар нуво объединялись вокруг Самюэля Бинга, выставлявшего их работы в своей галерее «L’Art Nouveau».
В Испании модернисмо начал свое триумфальное шествие с работ Антонио Гауди, стремящегося добиться впечатление как бы вылепленных архитектурных форм, а немецкий югендстиль стал еще одной его вариацией.

Модернизм

Модернизм (modernism), общее название направлений искусства конца XIX-XX в. В широком смысле охватывает кубизм, дадаизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм и т. п. Называются разные даты зарождения Модернизма в изобразительном искусстве, например 1863 г. — год открытия «Салона отверженных», куда принимались работы, забракованные жюри официального Салона. «Салон отверженных» посещала масса людей — главным образом для того, чтобы поиздеваться над выставленными там полотнами. В частности, жёсткому осмеянию подвергалась картина Мане «Завтрак на траве».
Термин «модернизм» присущ только отечественной искусствоведческой школе, в западных (англоязычных) источниках — это термин «modern». В русской эстетике «модерн» означает исторически предшествовавший модернизму художественный стиль конца XIX — начала XX века (русский модерн, ар нуво, югендстиль, сецессион и др.), поэтому необходимо различать эти два понятия, дабы избежать путаницы.

Художники в конце 19 века, особенно импрессионисты (импрессионизм), начали устраивать собственные выставки, всё большую роль в популяризации их искусства стали играть торговцы картинами. Однако для многих понятие «Модернизма» связано прежде всего с XX веком. Представление о том, что живопись и скульптура должны правдиво отражать реальные предметы и явления, было основательно подорвано такими художниками, как Гоген и Мунк, а в начале XX века окончательно низвергнуто такими течениями, как фовизм, экспрессионизм и кубизм. Последнее было наиболее радикальным и влиятельным, поскольку способствовало развитию других течений, в том числе абстракционизма. Дадаизм, возникший во время 1-ой мировой войны, поставил под сомнение саму сущность и значимость искусства. Именно такие сомнения привели к рождению концептуального искусства, которое ставило во главу угла идею, а не исполнение. Несмотря на стремление Модернизма внести свой «порядок» в теорию искусства, традиционная живопись сохраняла свои позиции и человек по-прежнему оставался в центре её внимания.
Выражение «модернизм в архитектуре» употребляется часто как синоним термина «современная архитектура», но последний термин всё же шире. Модернизм в архитектуре охватывает творчество пионеров современной архитектуры и их последователей во временном промежутке с начала 1920-х годов и по 70-е—80-е годы (в Европе), когда в архитектуре возникли новые тенденции.
В специальной литературе термину «архитектурный модернизм» соответствуют английские термины «modern architecture», «modern movement» или же «modern», употребляемые в том же контексте. Выражение «модернизм» употребляется иногда как синоним понятия «современная архитектура»; или же как название стиля (в англоязычной литературе — «modern»).
Архитектурный модернизм включает такие архитектурные направления, как европейский функционализм 20-30-х годов, конструктивизм и рационализм в 20-х годах России, движение «баухауз» в Германии, архитектурный ар-деко стиль, интернациональный стиль, брутализм, органическая архитектура. Таким образом, каждое из этих явлений — суть одна из ветвей общего дерева, архитектурного модернизма.
Основные представители архитектурного модернизма — это пионеры современной архитектуры Фрэнк Ллойд Райт, Вальтер Гропиус, Рихард Нойтра, Людвиг Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвар Аалто, Оскар Нимейер, а также некоторые другие.

Боз-арт

Боз-арт (1885-1920) – зародился во второй половине XIX века в парижской Школе изящных искусств, коснулся он архитектуры, дизайна интерьеров, мебели и тканей. Этому стилю свойственны размеренность, симметрия, торжественность, величественность и изысканная орнаментация. Он сочетает традиции древнегреческой и древнеримской архитектуры с традициями Ренессанса. Это эклектический неоклассический стиль, для него характерно использование парных колонн, узоров внутри узора, высоких парапетов, куполов, выступающих фасадов, балюстрад, пилястр и павильонов. Обычно в стиле боз-арт выполнялись общественные здания: музеи, библиотеки, железнодорожные станции, банки, хотя в самом начале XX века богатые промышленники заказывали и частные особняки в этом же стиле. В результате в США появились районы с различными государственными зданиями, большими роскошными домами, широкими бульварами и просторными парками.

Сецессион

Сецессион (1897-1920) — известен так же как венский Сецессион. Сецессионом называлась группа художников из Германии и Австрии отказавшихся от традиций академического искусства в поисках собственного направления в творчестве. Они объединились в мюнхенский сецессион (1892) и берлинский сецессион (1899). Однако самым влиятельным стал венский, или Ассоциация австрийских художников.
Основанный в 1897 г. Группой художников и архитекторов, вышедших из состава венской Академии искусств, венский сецессион отказался от консервативных стандартов, которые она пропагандировала; ее члены стремились развивать собственное творческое видение в рамках независимой ассоциации. Несмотря на то, что большинство участников Сецессиона были художниками и архитекторами, некоторые ее члены, включая Хофмана, Мозера и Ольбриха, занимались также керамикой, дизайном мебели и работой по металлу.
Созданная с целью сблизить между собой архитектуру и декоративные искусства, ассоциация начала выпуск плакатов, репродукций, рисунков, стекла, керамики, изделий из металла и текстиля. С целью популяризации своей деятельности сецессионисты выпускали свой собственный журнал, Ver Sacrum («Священная весна»). Штаб-квартирой организации стало здание Сецессиона в Вене, построенное по проекту Йозефа Ольбриха в 1898 г. Там же проходили и выставки членов ассоциации, кроме первой – на момент ее проведения здание не было готово, и она прошла в венском Центре садоводства. В 1900 г. Состоялась знаковая VIII Выставка венского Сецессиона, полностью посвященная декоративным искусствам с инсталляциями Чарльза Ренни Макинтоша, Чарльза Эшби и Хенри ван де Вельде. Хотя поначалу сецессионисты тяготели к ар нуво, впоследствии они стали отдавать предпочтение эстетике прямых линий.

Ар деко

Ар деко (1910-1939) До 1925 г. Этот стиль был известен так же как стиль модерн. Ар деко интернациональный стиль, зародившийся во Франции в 1920-х гг. На его возникновение повлияли гастроли труппы Русского балета Дягилева с их яркими костюмами и коллекции модной одежды от Поля Пуаре. Кроме того, в новом стиле были заметны абстрактные упрощенные формы, заимствованные из авангардной живописи конструктивистов, кубистов, фовистов и футуристов. В 1922 г. Говард Картер обнаружил гробницу Тутанхамона, поэтому египетские мотивы также стали важным элементом ар деко. Новая эстетика изменяла вид городов по всему миру, от Нью-Йорка до Шанхая, оказывала влияние на все сферы дизайна, от модной одежды до мебели, от кино до интерьеров роскошных лайнеров. Свое название стиль получил после прошедшей в Париже Exposition des Arts Decoratifs et Industriels Modernes (Выставки современных декоративных и прикладных искусств), на которой публике были представлены лучшие образцы современного дизайна. США на этой выставке прославились разве что своим отсутствием. Считалось, что в то время Америке нечем было похвастаться – там еще стиль Ар деко не получил распространения, однако это положение сохранялось не долго: в 1930 г. К небу Нью-Йорка вытянулись два великолепных образца нового стиля – Крайслер-билдинг и Эмпайр-стейт-билдинг.
Во Франции изысканный стиль ар деко ориентировался в первую очередь на рынок предметов роскоши. Он охватил все сферы дизайна, в живописи его воплощала Тамара Лемпика (1898-1980), Художница польского происхождения, в графике и театральном дизайне – Роберт Делоне (1885-1941) и Соня Делоне (1885-1980), в ювелирном искусстве Рене Лалик. На рекламных плакатах изображались упрощенные формы и броские силуэты – здесь можно вспомнить плакаты Кассандра для океанского лайнера «Нормандия» (1935). Воспевая путешествие, скорость, роскошь, художники ар деко использовали яркие цвета и простые многоугольные формы.
В дизайне интерьеров и мебели господствовали два направления этого стиля, каждый с собственными эстетическими ценностями: стиль будуара 1920-х, в котором роскошные материалы использовались для создания объектов в экзотическом восточном стиле, пример тому – мебель Жака Эмиля Рульманна; и умеренный модернистский стиль в работах Ле Корбюзье и его последователей. К 1920-м американские дизайнеры также начали черпать вдохновение в механических и индустриальных формах, используя в своих работах повторяющиеся и перекрывающиеся геометрические узоры, цветные изображения с прямыми линиями, шевроны и молнии (символизирующие электричество), а также зигзагообразные рисунки. В результате от изысканной декоративности в 1920-х этот стиль пришел к элегантному функционализму в 1930-х.
Голливудский стиль
В США для стиля ар деко были характерны роскошь, полет воображения, эскапизм – стремление уйти от действительности. Голливудский стиль, который задавали голливудские фильмы и наряды звезд, был заметен по всюду, от Бродвея до интерьеров частных домов и архитектуры небоскребов. Египетские и ацтекские мотивы доминировали в американской архитектуре и декоративных искусствах в начале 1930-х. Классическими примерами архитектуры ар деко считаются Крайслер-билдинг, Эмпайр-стейт-билдинг и Рокфеллер-цент в Нью-Йорке. В Британии голливудский стиль отразился на роскошных, броских интерьерах многочисленных кинотеатрах сети «Одеон», расположенных в Лондоне и его окрестностях, включая «Лейчестер-сквер Одеон», где кресла были обиты тканью с леопардовым рисунком, а стены оклеены золотистыми тиснеными обоями.

Дадаизм

Дадаизм (1916-1923) (франц. — деревянная лошадка), в переносном смысле – бессвязный детский лепет, авангардистское литературно-художественное течение в европейском и американском искусстве, возникшее как протест против традиционных моральных и культурных ценностей. Впервые Дадаизм заявил о себе в 1915 г. в Цюрихе. Согласно наиболее распространенной версии, название течению было выбрано наугад – перочинным ножиком ткнули в страницу словаря, что вполне соответствовало иррациональному духу Дадаизма.
Дадаисты не разрабатывали свой особый художественный стиль. Они бросались из одной крайности в другую, стараясь любыми способами (в том числе и вызывающим поведением) эпатировать самодовольного обывателя. Излюбленные жанры Дадаизма – монтаж, коллаж, «реди-мейд» (обыденные предметы, представленные как предметы искусства.) дадаизм очень быстро стал популярным (особенно в Нью-Йорке, где его возглавил Марсель Дюшан), но как сформировавшееся течение просуществовал не долго. Оказал значительное влияние на другие течения, в частности на сюрреализм (прежде всего в его приверженности к абсурду и фантастике), абстрактный экспрессионизм и концептуальное искусство.

Авангардизм

Авангардизм – общее название художественных направлений 20 века, для которых характерны поиск новых, неизвестных, часто штучных форм и средств художественного отображения, недооценка или полное отрицание традиций и абсолютизации новаторства. Рожденный духовной атмосферой 20 века с его грандиозными катаклизмами, иллюстрирует не только противоречия между разными системами и техниками авангардизма декларирует создание элитарного искусства, чуждого социальным задачам, другие, наоборот, ищут принципиально новые выразительные средства для передачи настроений социального протеста, революционного содержания. Выделился главным образом не в законченных формах, а в тенденциях к вытеснению традиционных тем, сюжетов и принципов композиции, гипертрофии условности, сильной (звуковой, цветовой, пластической и другой) экспрессивности. Характеризуется также разрушением объективно обусловленных границ между видами и жанрами (проникновение поэзии и музыки в прозу и «прозаизация» поэзии, перенесение принципов музыкальной композиции на литературу и изобразительное искусство.)
Противоречивая природа авангардизма обозначилась в тяготении одних его направлений к формализму (победа словесной образности и символики над содержанием в поэзии и прозе, акцентация колорита, композиционной структуры и бессюжетность в живописи атональность и какофония в музыке), а других, наоборот, — к отрицанию эстетической сути искусства и утилитаризму (слияние искусства с производством, бытом и политической публицистикой.) В своих крайних формах смыкается с декаденством, модернизмом, абстрактным искусством. Талантливые представители авангардизма 20 века (начала) (футуризма, имажинизма, конструктивизма и др.), которые последовательно придерживались прогрессивного мировоззрения, смогли преодолеть узкие рамки этих направлений и обогатили культуру новыми художественными ценностями.
Этот стиль считается абсолютно противоположным классическому. Он придется по душе человеку с оригинальным вкусом и нестандартным мышлением, предпочитающему свободу и независимость во всем.
Основную роль в интерьере играет цвет. Вы можете смешивать, сочетать, комбинировать какие угодно краски, главное — не переступить грань между броскостью, яркостью и вульгарностью. Цвета должны образовывать органичный ансамбль. Обои практически противопоказаны. Вооружитесь кисточками, красками и рисуйте. Например, черная стена напротив белой. Соответственно черное кресло около белой стены и светильник со светлым абажуром у черной стены. Или все четыре стены комнаты разных цветов: желтая, оранжевая, красная и вишневая. Запомните: авангард создается на контрастах. Подберите к этим ярким стенам темную мебель, и вы получите удовольствие от нового облика своей квартиры.
Мебельные гарнитуры типа «диван плюс два кресла» для такой комнаты вряд ли подойдут. Каждая деталь должна быть оригинальной. Авангард — это смелый эксперимент, при котором, несмотря на, казалось бы, общий хаос, все к месту.

Конструктивизм

Конструктивизм (1921-1932) задался целью полностью изменить мир и человека, расстаться со всеми традициями, чтобы открыть абсолютно новую страницу в истории искусства. Конструктивисты, категорически отказавшись от любых образцов прошлого, хотели смоделировать будущее, которое представлялось им как гармония ясных геометрических форм. «Простота — не проста», «меньше — значит больше» — эти афоризмы Миса ван дер Роэ, талантливого архитектора XX века, стали сутью интерьера не только 20-30 годов, но и всего столетия. Ничто лишнее не «цепляет» взгляд, все функционально, продумано, взвешено. Выверенные пропорции роднят авангардную архитектуру того времени с классическим зодчеством античности. Простые и четкие формы, окна от пола до потолка, металл и бетон — дома, похожие на корабли, плывущие в будущее, а внутри создавался интерьер нового времени.
Внутреннее пространство домов освобождалось от перегородок, отрицались старые представления о взаимоотношении внутренних помещений дома. Деление на зоны осуществлялось абстрактным образом чаще всего за счет легких передвижных перегородок, отдельные замкнутые комнаты, коридоры — все это считалось безнадежно устаревшим. В отличие от интерьеров предыдущей эпохи модерна, напоминающих уютную раковину, дома конструктивистов звали в будущее высоких технологий, машинного производства и футуристических мегаполисов.
Бурное, стремительное время на рубеже эпох в начале прошлого века, время открытий и ошибок, проектов, дерзких экспериментов, крахов и удач. Эпоха, с сумасшедшей скоростью менявшая жизнь, искусство, мировоззрение. Рушилось то, что казалось незыблемым, и рождалась новая эстетика, появились удивительные люди, талантливые фантазеры — художники, архитекторы, поэты. Захлебнувшись свежим воздухом перемен, они ринулись воплощать в жизнь самые невероятные замыслы, проникнутые духом новой эры. Источником красоты для них стала техника, в ее угловатых контурах искали они новые формы, источником вдохновения для них были безупречно функционирующие механизмы, а творческим девизом: «растворить в деле эстетическую, эмоциональную сущность искусства». Их манила магия «Черного квадрата».
Продуманные функциональные решения и строгое следование их требованиям, компактные объемы с четко выявленным каркасом, техническая ясность построения архитектурной формы. Применение железобетона, кирпича, стекла. Отсутствие лепного декора. На фасадах ритмически чередующиеся объемы и окна, контраст гладких плоскостей стены и стекла, четкость вертикальных и горизонтальных членений. Возможны ленточные окна, плоские покрытия, открытые опоры в нижних этажах.
Предельная лаконичность форм, полное отсутствие декора, орнаментов или деталировки фасадной отделки. Ясность композиции, монохромность, педалирование естественности фактур. Работа большими плоскостями, графичность.

Скандинавский модерн

Скандинавский модерн

Скандинавский модерн (1936-н.в.) Основные признаки скандинавского стиля интерьера — натуральность, простота и естественность. Свежий, милый, никакой вычурности — этот стиль угодит и современному, и традиционному вкусу. Скандинавский стиль вобрал в себя такие черты как сдержанность и некоторую суровость, холодность и молчаливость, а также любовь и уважение к природе. Поэтому интерьеры в скандинавском стиле содержат минимум декора и выполнены в светлых естественных тонах из простых и натуральных материалов. Дощатые полы из светлого дерева, светлые стены, простая деревянная мебель. Краски к полу и мебели если и применяются, то тоже светлых натуральных тонов: сероватые, бежевые, голубоватые, зеленоватые. Декорирование здесь почти отсутствует, но при этом в самобытности этому стилю не откажешь. В скандинавском стиле мы находим спокойствие и упорядоченность.
В скандинавском стиле интерьера традиционная любовь к природным материалам, в первую очередь к дереву, сочетается со стремлением использовать новые технологии его обработки и новые материалы: хромированный металл, стекло, отделку плетёными деталями, декоративные ткани.
Вся мебель этого стиля — из натурального дерева. Обычно это светлые лиственные породы, реже ель или сосна. Неокрашенное дерево, лишь слегка защищённое слоем прозрачного лака, выглядит очень естественно. Натуральность материала передаётся и форме предметов интерьера.

Поп-арт

Поп-арт

Поп-арт (1958-1972) Сокращенный вариант словосочетаний «популярное искусство» (popular art). Этот стиль возник в США и Великобритании, как реакция на абстрактную живопись, которую сторонники поп-арта считали слишком сложной и элитарной. Они отдавали предпочтение объектам из повседневной жизни, пример тому – этикетка на консервной банке супов «Кэмпбелл», выполненная Энди Уорхолом, и комиксы Роя Лихтенштейна, где лица персонажей напоминают героев мультфильма, нарисованные яркими флуоресцирующими цветами. Для поп-арта было типично использование сериграфии (станковый способ трафаретной печати) – техники массовой печати, к которой часто прибегал Уорхол. Под влиянием консюмеризма и популярной культуры, сторонники этого стиля открыто оспаривали принципы «хорошего дизайна», отрицая модерн и его ценности и заменяя их своими – разнообразием, весельем, бунтарством, создавая недолговечные, одноразовые вещи. Разрушая границы между элитарным и популярным искусством, поп-арт быстро захватил сферу масс-медиа и рекламы, примером тому может служить обложка диска группы «Битлз» 1967 г. «Сержант Эппер», выполненная Питером Блейком и Джейнн Хоуортс. Вдохновленные «Низким искусством» — рекламой, упаковкой, комиксами, телевидением – художники, в частности Энди Уорхол и Дэвид Хокни, перенесли ценность масс-культуры в дизайн интерьеров, обоев, настенную и плакатную живопись, открывая для себя новый мир, полный веселья и свободы.
Основанная в 1952 г в Лондоне компания «Independent Group» первой оценила возможности растущего американского консюмеризма. Дизайнеры поняли, что для нового поколения белых воротничков нужен свежий, альтернативный подход, отличающийся от набившего оскомину «хорошего дизайна» 1950-х; такой альтернативой оказался поп-арт. Как писал Теренс Конран, «в середине 1960-х наступил любопытный момент, когда люди перестали нуждаться и начали желать…Дизайнеры занялись производством вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался». На первый план вышел стиль, впервые недолговечные, одноразовые вещи стали приниматься за норму. Излюбленным материалом дизайнеров стал пластик, изделия из которых ярких цветов и броских форм – пришлись по вкусу молодежи. В результате выпускалось все больше дешевых товаров низкого качества, основной упор делался на массовое потребление, а не на производство дорогих и долговечных вещей в противовес стилю модерн.
Черпая вдохновение в самых разных течениях, от ар нуво и ар деко до футуризма, сюрреализма, поп-арта, китча, психоделического и космического стилей, сторонники поп-арта оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна. Однако сам поп-арт просуществовал недолго: в связи с нефтяным кризисом начала 1970-х гг. возникла необходимость в более рациональном подходе к дизайну, и поп-арт уступил место возрождению ремесел.

Оп-арт

Оп-арт (1965-1973) Стиль в абстрактном искусстве и графике, возникшей в Европе и, позднее, в США в 1960-х гг. Оп-арт отличает использование геометрический форм с целью имитации движения, многочисленные визуальные эффекты, создающие иллюзию движения и вибрации. Яркие цвета, концентрические круги и муаровые узоры характерны для работ Виктора Вазарели, Ричарда Анушкевича, Джозефа Альберса, Бриджет Райли, Ада Рейнхардта, Кеннета Ноланда, и Ларри Пунса. Этот стиль считался конкурентом поп-арта, он оказал большое влияние на графический дизайн и дизайн интерьеров, от мебели до обоев. Абстрактные визуальные эффекты отлично подходили для рекламы и дизайна интерьеров – пример тому – большие настенные пано, известные как «Суперграфика». Однако оп-арт так и не стал массовым движением в искусстве и дизайне, каковым был поп-арт.

Минимализм

Минимализм (1967-1978), в крайнем своем выражении, стремится полностью отказаться от использования декоративных средств, считая, что для архитектуры достаточно наличия стен и крыши, а для интерьера — кровати и стола. Минималистические здания, впрочем, могут иметь довольно сложную конфигурацию, продиктованную характером и возможностями материала. Модульные бетонные конструкции, которые ввел в моду японский архитектор Тадао Андо, подсказывают строгий, геометрический подход, а использование монолитного бетона позволяет воплощать пластичные и в то же время лаконичные формы. Однако в любом случае должно выполняться основное требование: независимо от сложности задача должна быть решена минимальными (хотя бы на вид) средствами. Никаких излишеств, деталей или сложной отделки. Желательно, чтобы даже конструктивные элементы были скрыты, не бросались в глаза. Все внимание отдается объемно-пространственному решению, и его безупречность не нуждается в дополнительных украшениях. По большому счету для минималистов не существует интерьера, вернее, лучшим интерьером считается его отсутствие. Отделка — самая примитивная, в лучшем случае краска на стенах и паркетная доска на полу. Обязательное условие — монохромность, графичность, обилие свободного пространства. Допускается присутствие только самой необходимой мебели, и она должна иметь максимально простые контуры. Идеальный вариант — пустая комната, в которой стоят одинокая кровать, или рабочий стол с креслом, или диван с телевизором. Все функциональные элементы, которые не обладают достаточной монолитностью и стерильностью форм, прячутся за перегородками. Единственно допустимые декоративные включения — художественные объекты, размещенные так, чтобы ничто не мешало наслаждаться их созерцанием.
При таком лапидарном подходе основным инструментом, создающим характер и настроение интерьера, является свет. Естественное освещение в разное время суток и всевозможные виды искусственной подсветки должны быть продуманы до мельчайших подробностей. Ведь именно свет способен оживлять и трансформировать пространство.

Хай-тек

Хай-тек (1972-1985) Для интерьера в стиле хай-тек идеальной является мягкая мебель, отличающаяся простотой геометрических форм. Забудьте о пестрых расцветках: здесь уместна только однотонная обивка.
Все новое неизбежно становится старым. Возможно, в недалеком будущем мы отвезем на дачу морально устаревшие плазменные телевизоры, выбросим в мусоропровод ненужные цифровые «мыльницы», а на супермодные ныне галогенные люстры даже не посмотрим. Но это все завтра. А сегодня любопытное человечество стремится заглянуть в неизвестное грядущее, хотя бы частично перенести из него мечту в реальность. Благодаря именно этому стремлению в искусстве появилось новое направление хай-тек, то есть художественное осмысление высоких технологий.
Вы мечтаете иметь дом, напоминающий космический корабль или жилище героев из рассказа Рея Брэдбери, а может, хотите воспроизвести в своей квартире отдельные фрагменты интерьера будущего? Нет ничего проще! Хай-тек в настоящее время популярен как никогда. Поэтому приобрести различные предметы интерьера в этом стиле не составит особого труда — многие дизайнеры пропагандируют хай-тек, привнося его элементы в обстановку и декор.
Металл и стекло. Стекло и металл. Немного пластика. Строгость и простота конструкций. Прямизна линий. Никакого дерева, сложной отделки и обоев в цветочек. Таков рецепт правильного интерьера от хай-тек. Столы со строго прямоугольными или круглыми стеклянными столешницами, стулья с металлическими ножками и спинками, журнальные столики на колесиках, незамысловатые стеллажи со стеклянными полками… Разумеется, стиль хай-тек подходит в основном для больших помещений, разделенных на функциональные зоны с помощью перегородок и дверей из небьющегося стекла. Прозрачные двери-купе в алюминиевой раме не только дань последней моде, но и одновременно с этим вещь удобная и функциональная, так как позволяет экономить пространство.
В последнее время российским потребителям стали доступны так называемые эксклюзивные двери из стекла, оснащенные различными техническими наворотами. Цены на подобные авторские модели несказанно высоки (1500-4000$). Самый простой вариант — дверь с эффектом битого стекла, состоящая из трех слоев. Битый слой зажат между двумя небьющимися панелями. Надо сказать, дверь смотрится достаточно дорого, но скромно. Прозрачные двери со светодиодами обойдутся вам несколько дороже. Однако если вы хотите произвести впечатление на гостей и ради этой цели не постоите за ценой, это как раз то, что вам нужно.
Вы что-нибудь слышали о дверях с запахом? В наше продвинутое время возможно и такое. Между стеклянными слоями двери помещен флакон с эфирным маслом. При открывании дверь начинает источать приятный аромат. Вдоволь насладившись одним благовонием, вы легко можете заменить его другим. Для этого нужно всего-навсего заполнить флакон новой жидкостью.

Эклектика

Эклектика (XIX век, 1830-1890 гг.)
В какой-то мере эклектика всегда существовала как неизбежное следствие диалога различных культур, однако основополагающим принципом искусства стала именно в XIX веке. Всему виной романтизм, с его философией «свободного перемещения в историческом времени» и отказом от строгих канонов в интерьерах прошлых стилей.
Многие критики искусства обвиняли Эклектику в чрезмерной перегруженности и плохом вкусе, отсутствии индивидуальности.
И все же, у нее были свои черты: пластичные формы. Обилие текстиля, мягкость и удобство мебели, множество декоративных элементов, которыми могли быть вещицы с разных концов света, напоминающие о культурах Востока, Средиземноморских стран и т.д.